FROM MICRO TO MACRO AND BACK
SMTH en colaboración con MMMAD Festival lanzan el III Certamen Internacional para artistas digitales bajo el tema ‘From micro to macro and back’. El I Certamen Internacional lanzado en 2021 buscaba obras de arte digital que reflexionasen sobre el paisaje en la era post-digital, la segunda edición estuvo centrada en el centro comercial como espacio cultural y, en esta tercera edición invitamos a artistas, creadores e investigadores digitales a imaginar, especular y construir narrativas críticas en torno a las escalas que desafían el ojo humano. En esta edición contamos con la colaboración de los centros Plenilunio (MADRID), La Torre Outlet (ZARAGOZA), Miramar (MÁLAGA), Fan Mallorca (PALMA DE MALLORCA) y Max Center (BILBAO). La convocatoria estará abierta del 5 de octubre al 27 de noviembre de 2023. Un jurado de expertos compuesto por la comisaria mexicana Ana Drucker, el artista brasileño Gabriel Massan y el artista suizo Dirk Koy seleccionarán las cinco mejores obras, que recibirán un premio de 1.500,00€ y serán expuestas en las pantallas de los centros comerciales del 11 de enero al 11 de abril de 2024.
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Tema

Tradicionalmente, el arte ha estado orientado principalmente hacia asuntos que pueden ser abordados desde el ojo, mientras que la ciencia viene usando instrumentos y herramientas desde el siglo XVI para alcanzar cuestiones ‘invisibles’ del microcosmos y el macrocosmos. Hoy, en la era digital, cada vez más, los artistas trabajan con las mismas herramientas, métodos y programas que la ciencia. [1] Artistas y científicos suelen seguir caminos comunes: de la exploración a la investigación, pasando por la producción, la presentación y el intercambio con sus comunidades y la sociedad en general. [2]

El arte digital es fruto de esta ‘tecnificación’, y por lo tanto, inseparable de las herramientas que lo construyen. Desde los 0 y 1 del lenguaje binario a los programas de creación 3D, pasando por simuladores de físicas, programas de renderizado o los distintos lenguajes de programación. Una disciplina con unas lógicas propias en la que las barreras entre arte, ciencia y tecnología se diluyen.

En 1977 Ray y Charles Eames publicaron ‘Powers of Ten’, una película sobre el tamaño relativo de las cosas en el universo [3]. Comienza con una pareja disfrutando de un picnic en una soleada tarde de octubre en Chicago. Durante los cuatro minutos siguientes, la cámara se transporta en perfecta vertical hasta llegar a los confines del universo conocido, para volver hacia abajo hasta la escena de tranquilidad doméstica donde empezamos, atravesar la piel de sus protagonistas y llegar a la escala atómica conocida. Todo ello en un plano aparentemente continuo y totalmente cautivador. Una secuencia de imágenes más o menos abstractas que nos lleva de lo macro a lo micro pasando por lo doméstico.

La simplicidad de la obra permite al espectador viajar de forma continua de la escala universal a la molecular, a través de unos gráficos tan abstractos como realistas que nos permiten entender, en escasos minutos, una infinidad de investigaciones científicas y tecnológicas.

El arte juega un papel clave en la sociedad, representando lo complejo para ayudarnos a entenderlo. En el campo del arte digital, muchas obras nos ayudan a entender este nuevo mundo híbrido en el que vivimos.

En la serie de 64 obras ‘Intertidal samples’ de Entangled Others, un colectivo artístico formado por Sofía Crespo y Feileacan McCormick, los artistas se acercan a la escala microscópica descubriendo los universos internos en las gotas de agua. Explican que ‘el alcance de lo que estudiamos va más allá de nuestra comprensión, pero cuando examinamos incluso una minúscula gota de agua, descubrimos prósperas comunidades de vida e interconexiones. Es fácil ver cada gota como un mundo autónomo, limitado por la tensión superficial. Sin embargo, si se da la oportunidad, hasta el más pequeño de estos ecosistemas se mezclará con otras masas de líquido, alterando las formas de vida y su composición.’

En esta convocatoria buscamos obras que representen lo micro, lo macro y/o ambas. Una mirada tanto analítica como crítica de las escalas que van más allá de nosotres, que, aunque por pequeñas e imperceptibles o por grandes e imposible vislumbrar en su totalidad, las entendemos importantes. En un momento de urgencia ecológica y de revolución tecnológica digital, aprovechamos este espacio tiempo para observar lo que nos rodea. Utilizar los nuevos medios y herramientas que nos ayuden a imaginar, especular y construir narrativas críticas en torno a las escalas que desafían el ojo humano. Esta es una oportunidad para artistas, creadores e investigadores de compartir sus obras de lo micro a lo macro.

[1] Renaissance 3.0, ZKM Center for Art and Media Karlsruhe, 2023 

[2] Arts at CERN, European Organization for Nuclear Research, 2011 

[3] Powers of Ten™, Ray y Charles Eames, 1977

[4] Intertidal Samples, Entangled Others, 2023

'Unbounded on a bounded domain', Gabriel massan

En cada edición del certamen encargamos a un artista digital la creación de una obra de video que encapsule la temática de la convocatoria. En esta ocasión, ha sido el artista brasileño Gabriel Massan el encargado de interpretar el tema, adaptando un fragmento de su obra ‘Unbonded On A Bonded Domain’.

‘Unbonded On A Bonded Domain’, desarrollada durante una residencia online en FACT (Londres, 2023), parte de la experiencia emocional del artista como materia prima. La obra toma como referencia la noción de ‘Fabulación Crítica’ de la escritora y académica Saidiya Hartman, explorando la creación de un ecosistema virtual desvinculado tanto de la identidad del artista como de las limitaciones físicas y conceptuales del cuerpo humano, interpretando escenarios especulativos para investigar cómo la cultura queer, la violencia sistémica y las identidades virtuales pueden ayudarnos a cartografiar el mundo material y nuestras relaciones con él. Atrapados en un vaivén beckettiano, un grupo de entidades digitales cuestiona la naturaleza de su entorno y su lugar en él.

Jurado
Ana Drucker (Mexico, 1991) se sitúa entre la práctica curatorial y artística, centrada en arte visual y digital. Es co-fundadora de SSUAVE, un espacio dirigido por artistas en Barcelona, enfocado en la producción de arte y en ofrecer una programación de talleres creativos para diversos públicos. Ha trabajado como curadora visual para el festival MIRA en Barcelona y Berlín y como curadora freelance para diferentes organizaciones como IDEAL, Sumario, MONOM entre otras. En 2023 comenzó como productora visual para Production Club, estudio creativo dedicado al desarrollo de eventos audiovisuales. Como artista su obra ha sido expuesta en varios festivales y galerías de México y Barcelona como Maroma Galería, Casa Tibet, Imagin Café, Miscelánea, Arts Santa Mónica, Festival Loom, La Puntual, Pumarejo, entre otros.

Dirk Koy (Suiza, 1977) es un artista que investiga la interfaz entre realidad y virtualidad, buscando el componente pictórico en el contexto digital. La experimentación desempeña un papel fundamental en su trabajo, inspirado en la naturaleza, la arquitectura y la espacialidad. En su trabajo utiliza diferentes tecnologías como drones, animación 2D y 3D, fotogrametría, realidad aumentada o realidad virtual para crear imágenes digitales en movimiento. Su trabajo ha sido expuesto, entre otros lugares, en el Art Center Nabi de Seúl, en la HeK (House of Electronic Arts) de Basilea, en el festival «Supernova» de Denver o en el Festival FILE de São Paulo. En 2019, Dirk Koy recibió el Basel Media Art Prize por la obra «ground» y en 2022 la obra «Intersect» ganó el premio Animation Off-Limits en el Festival de Cine de Animación de Annecy.

Gabriel Massan (Brasil, 1996) es un artista afincado en Berlín conocido por emplear la «arqueología de ficción» para crear mundos inmersivos. Utilizando animación 3D, motores de juego, escultura digital e instalaciones interactivas, la obra de Massan analiza la desigualdad en el contexto latinoamericano. Entre las residencias y premios seleccionados se incluyen el Arts Explora Program apoyado por Cité Internationale Des Arts (2023), Dazed 100 (2022), Circa x Dazed (2021), Instituto Moreira Salles (2020), y ETOPIA – Center for Art & Technology (2019). Ha creado importantes encargos para Serpentine Arts Technologies (2022-3), Bangkok Biennale (2022), The Photographers’ Gallery (2022), y X Museum (2022). Massan ha presentado charlas y conversaciones en instituciones como La Biennale di Venezia, Art Basel Miami, DLD Conference, University College London, University Of The Arts, Royal College Of Arts e Institut Français.

GANADORES
La convocatoria abrió el 5 de octubre de 2023 y cerró el 27 de noviembre de 2023 (GMT+1). Se recibieron un total de 165 propuestas, de las cuales 83 fueron admitidas al cumplir con todos los requisitos de la convocatoria. Los miembros del jurado, compuesto por Ana Drucker, Dirk Koy, Gabriel Massa y un voto institucional (compuesto por un representante de SMTH y uno de MMMAD), evaluaron las obras recibidas de forma independiente. El 11 de diciembre a las 17:00 (GMT+1), reunidos telemáticamente, se debatieron las distintas evaluaciones seleccionando los siguientes 10 finalistas (en orden alfabético):
  1. Alvsmonster (Álvaro Ruiz), España
  2. Annan Shao, China
  3. Cristobal Ascencio Ramos, Mexico
  4. Elina Zazulia, Rusia
  5. Franco Palioff, Argentina
  6. Gabriel KÖI & Sabato Visconti, Brasil
  7. JoãoPedroOliveira, Portugal
  8. Mala Creative: Alexey Gnedenko, Timur Tkachenko, Ucrania
  9. Maria Orciuoli, Italia
  10. Roxi Basa (Roxane Diamand), Francia

El jurado ha destacado la alta calidad y heterogeneidad de estas 10 propuestas finalistas, decidiendo tras una ronda de debate otorgar los cinco premios y exposición a las siguientes 5 obras:
  1. ‘Customised New Routine’ de Annan Shao (China)
  2. ‘MOTHERBOARD’deGabrielKÖI&SabatoVisconti (Brasil)
  3. ‘Threads’ de Franco Palioff (Argentina)
  4. ‘Lasfloresmuerendosveces’deCristobalAscencioRamos (Mexico)
  5. ‘Vegemeral’ de Elina Zazulia (Rusia)

Estas obras han sido seleccionadas por su alta calidad artística, buscando la heterogeneidad de técnicas y destacando la multiplicidad de líneas conceptuales dentro del tema de la convocatoria. Cada artista seleccionado recibirá un premio de 1.500€ (impuestos no incluidos) y su obra formará parte de la exposición ‘From micro to macro and back’ del 11 de enero al 11 de abril de 2024.

«CUSTOMISED NEW ROUTINES»

“Customised New Routines” de Annan Shao es una fábula digital que trata de cómo los individuos se enfrentan a los privilegios que tienen como seres inteligentes. La historia trata de un personaje secundario que, tras obtener la capacidad de modificar cosas, pasa de explorar dicha capacidad a perder el control sobre ella y, en última instancia, a un ciclo en el que la existencia del individuo y la motivación creativa interna se transforman la una en la otra. A la gente le gustan las cosas cuando son en parte familiares y en parte no, sobre todo por una fantasía de satisfacción de la derivación de su propia existencia.

La Nueva Rutina Personalizada observa este irracional deseo humano de un desarrollo que satisfaga las expectativas en un tiempo y un espacio virtuales abiertos. Más que criticar el fenómeno, libera la perspectiva del individuo de la singularidad instintiva del mundo real. Separada por una frontera sub-dimensional, es una experiencia que quizá nos permita llegar más claramente a lo intrínseco que impulsa nuestra acción.

«MOTHERBOARD»

“Motherboard” de Gabriel KÖI & Sabato Visconti es una película experimental que se sumerge en la intersección de la tecnología y la conciencia, explorando el límite sutil entre lo humano y lo digital. En este viaje dentro del circuito, la realidad se fusiona con lo digital, desafiando la comprensión de la existencia, mientras el contraste de lo humano se entrelaza con lo artificial, haciendo eco del grito de esta nueva conciencia.

«THREADS»

“Threads” de Franco Palioff es un vídeo experimental de geometría generativa y fractal. Me inspiré en la interconexión de los acontecimientos en la actualidad, vista en las tres primeras escenas que luego se muestran interconectadas en una red compleja que alude a un sistema de información causal.

«LAS FLORES MUEREN DOS VECES»

“Las Flores mueren dos veces” de Cristobal Ascencio Ramos es un proyecto que explora una relación entre padres e hijos llena de pérdida, silencio, muerte, vida y reconciliación. Mi padre murió cuando yo tenía 15 años, pero no me dijeron que era un suicidio hasta que cumplí 30. Margarito, jardinero de profesión, escribió una carta de despedida en la que escribía sobre las plantas y decía: «Perdóname y comunícate conmigo».

En 2021 regresé a México a buscar las plantas que mi padre cultivaba y que aún estaban vivas, al visitar los jardines comencé a tomar consciencia de todo lo que él dejó atrás, cada jardín me recordaba lo mucho que mi padre y Su muerte había impactado la vida de quienes lo conocieron. Comencé a pensar en la relación entre la naturaleza y la memoria, y cómo puede servir como un vínculo emocional entre el pasado y el presente. Estas plantas son de alguna manera parte de la memoria viva de mi padre. y una manifestación tangible de la huella que dejó.

Para encontrar las plantas visité algunos jardines donde colaboraba mi padre, mientras deambulaba por los jardines, con miedo intentaba entrar en la memoria de mi padre y entender por qué decidió dejar de vivir. A través de las personas cercanas a él, y sus plantas, llegué a comprender que la idea de mi búsqueda era inútil y que no tenía sentido buscar una razón.

Ninguno de los que nos quedamos atrás llegó a entender El suicidio. Las plantas, por otro lado, podrían entenderlo. Cuando una planta se encuentra en un ambiente hostil, como un suelo pobre en nutrientes o falta de agua, puede decidir activar un mecanismo de defensa que la lleve a la muerte. así, la planta libera al suelo una gran cantidad de nutrientes que otras plantas utilizarán para su crecimiento y supervivencia, lo que puede parecer un acto de desesperación, para ellas es simplemente una estrategia más para conseguir que la vida transcurra de la mejor manera posible.

«CUSTOMISED NEW ROUTINES»

“Vegemeral” de Elina Zazulia ofrece una perspectiva distintiva sobre la esencia dinámica y vibrante de la vida vegetal. Al integrar de manera fluida elementos visuales generados mediante redes neuronales, captura la belleza diversa de la existencia de las plantas en diferentes escalas, adentrándose en reinos generalmente esquivos para la percepción humana.

Explora lo efímero, lo vegetal, una fusión cautivadora de movimientos botánicos fugaces que se desarrollan a través del lente de la tecnología de inteligencia artificial. Al crear una esencia digital, la artista invita a contemplar los elementos del entorno desde una perspectiva inédita, destacando la movilidad elusiva que escapa al ojo humano en lo que aparenta ser estático. Esta obra es parte de una serie de proyectos en los que se explora la corporalidad (no)humana a través del aprendizaje automático.