SMTH con la colaboración de MMMAD FESIVAL y gracias al patrocinio de Nhood, lanzan la primera convocatoria internacional para artistas digitales en las pantallas de Vialia Vigo. Bajo el tema ‘Post-digital Landscapes’ acoge obras que reflexionen sobre el territorio, el paisaje, la ciudad y el espacio en la era post-digital.
En nuestra sociedad post-digital debemos abordar las relaciones entre los sistemas digitales, biológicos y culturales, entre el espacio virtual y el espacio físico, entre las experiencias tecnológicas y las táctiles, entre la realidad virtual y la realidad aumentada, entre las raíces y la globalización, entre la autoetnografía y la narrativa comunitaria. En este contexto, buscamos obras que trabajen en la creación de nuevos paisajes post-digitales.
Post-Digital Landscapes es una exposición colectiva compuesta de cinco obras de arte digital que reflexionan sobre estos y muchos otros temas, en los soportes digitales de Vialia Estación de Vigo del 20 de Diciembre de 2021 al 20 de Febrero de 2022.
SAFETY CHUNKS
Alejandro Vázquez Tomé. Nacido en el año 1999, con el cambio de siglo, en el barrio obrero del Calvario en Vigo, la juventud de Alejandro Vázquez estuvo marcada, cómo la de muchos otros de su generación, por los procesos de desindustrialización, las crisis económicas y la creciente digitalización del mundo. Este contexto marcará lo que luego será su espacio de trabajo que claramente apuntara a temáticas de la identidad, relaciones humanas y el poder de la imagen en una sociedad postindustrial y digitalizada. Es graduado de la última promoción de Bellas Artes por la Universidad de Vigo y a pesar de solo haber dado sus primeros pasos en su carrera artistica ya ha colaborado con el Centro Galego de Arte Contemporáneo y ha sido galardonado con un tercer premio en la última edición de los premios Xuventude Crea.
Safety Chunks. Es muy complicado encontrarnos en este mundo tan veloz, a veces no parecemos encontrarnos en nada, otras nos encontramos en todo a la vez, a veces necesitamos un error, algo que nos detenga lo suficiente para ser capaces de ver el paisaje otras nuestro propio paisaje. “Lluvia,Vapor,Velocidad” de Turner parece hoy una obra providencial de cómo los sucesivos avances tecnológicos han diluido el espacio real cómo brochazos sueltos sobre un lienzo. El mundo cada vez gira más rápido, y la nueva capacidad de mediante una pantalla encontrarnos en cualquier lugar y en ninguno a la vez, no hacen más que desdibujar las líneas que nos daban algún tipo de certeza de dónde pisan nuestros pies. El vivir en un mundo sin certezas y a través de pantallas a veces genera la necesidad de crear nuestro propio espacio seguro. Un paisaje que existe, no como la representación de un lugar material y tangible, si no de la delimitación de una parcela cómoda dentro de un mundo intangible inabarcable e incomprensible a nivel profundo,una red de confort, un espacio habitable dentro de la aridez inmensa de la era postdigital. Estos pequeños pedazos de seguridad , estos nidos personales, esta red que cada uno construye alrededor de si, son también el motor de los algoritmos que mueven el mundo , pero si miramos más allá de la pantalla, y conseguimos desentrañar el valor emocional de estos paisajes podremos encontrar algo cálido dentro de la frialdad de este mundo diluido.
SENSORY CELLUMONIALS
Baum & Leahy (Amanda Baum y Rose Leahy) es un galardonado dúo creativo internacional que trabaja en colaboración interdisciplinar, instalaciones interactivas, dirección de arte, escenografía y diseño de experiencias. En colaboración con expertos de distintas disciplinas, desde microbiólogos a músicos, pasando por informáticos cuánticos y arquitectos, abren, cuestionan y sensorializan la investigación científica en experiencias táctiles y participativas. A través de la creación de mundos guiados por la investigación y la narración de historias materiales, su trabajo permite al espectador acercarse a realidades alternativas, fundiéndose entre lo factible y lo fantástico. Desde que se conocieron en el Royal College of Art, Baum y Leahy han expuesto en lugares de renombre internacional, como el Victoria and Albert Museum, la Wellcome Collection, la Somerset House (Reino Unido), la National Gallery de Dinamarca, el Medical Museion (DK), el MU Hybrid Art House, Museum Het Valkhof (NL), Prairie (US), Vega Scene (NO), y Art Laboratory Berlin (DE) Fueron preseleccionados para el Lumen Art Prize en 2021 y 2019, y recibieron tanto el Bio Art & Design Award como el British Library Labs Artistic Award en 2018. Actualmente son becarios en BOM (Birmingham Open Media), y forman parte de la cohorte CPH:DOX Labs 2020-2021.
Sensory Cellumonials invita al visitante conectar consigo mismo a nivel celular, y a través de este encuentro íntimo explorar posibles futuros dentro de la biología y la salud. Cinco viajes ceremoniales le guían hacia su sensorialidad celular interior: a través de las cúpulas salpicadas de papilas gustativas en la lengua, las sienes oscilantes en los canales auditivos, los bosques peludos en la nariz, los suaves valles sensibles en la piel, las capas de refracción cristalina de los globos oculares y más allá. Cada viaje está guiado por Nuestros Parientes Celulares Vivientes (Olcks), guardianes de los cinco sentidos humanos y conectados a los cinco parientes de la vida. Nos dan la bienvenida a sus hábitats celulares -a través de las geografías de nuestros cuerpos- donde los genes, las proteínas y la señalización sináptica tejen el tejido de nosotros y del mundo, y revelan la vasta interconexión de estos paisajes celulares vivos.
THE UNBINDING
Lauren Moffatt es una artista australiana que trabaja con entornos inmersivos y narrativas experimentales. Sus obras, a menudo presentadas en formas híbridas e iterativas, exploran la subjetividad paradójica de los cuerpos conectados y los límites indistintos entre la vida digital y la orgánica. En 2021 fue galardonada con el DKB VR Art Prize (DE). Lauren completó sus estudios de pintura, de teoría y práctica del arte de los nuevos medios y de creación audiovisual en la Escuela Superior de Bellas Artes (AU), en la Universidad París VIII (FR) y en el Estudio Nacional de Artes Contemporáneas de Le Fresnoy (FR). Las obras de Lauren se han expuesto recientemente en La Gaïté Lyrique (FR), SXSW (US), Haus am Lützowplatz (DE), UNSW Galleries (AU), Daegu Art Museum (KOR), Le Grand Palais Ephémère (FR), SAVVY Contemporary (DE), FACT Liverpool (UK) The Sundance Film Festival (US) ZKM (DE), Q21 Freiraum (AT) y en Hartware MedienkunstVerein (DE). Vive y trabaja en Berlín (DE) y Valencia (ES).
The Unbinding presenta un paisaje formado por fragmentos de vídeos archivados. Concebido como una exploración de píxeles encontrados como materia escultórica, el vídeo revela una figura reclusa que habita en un bosque y vive dentro de un superordenador, que utiliza para reconfigurar perpetuamente su pasado, presente y futuro. Su rostro, sus manos y su pelo cambian con cada uno de sus movimientos, sin salir nunca de un bucle en constante reconfiguración mientras trabaja. Inspirada en los retratos cubistas, los collages surrealistas, el «traje de revuelta» de Philip K. Dick y los bucles o máquinas del tiempo, esta obra ofrece una alegoría de nuestras actividades cotidianas de apropiación y muestreo. Plantea la cuestión de cómo construimos nuestros propios mundos a través de diferentes medios. Producido por Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains.
AUTOESCOPIA
MIL111.lab es un colectivo artístico, fundado por Iria del Bosque y Borja Bernárdez, centrado en el diseño de experiencias inmersivas, instalaciones y piezas audiovisuales. Somos un equipo de alquimistas modernos que empleamos la luz, el espacio y el sonido como herramientas con las que crear fisuras en la realidad para proponer universos alternativos y nuevos puntos de vista sobre el mundo. Nuestra motivación es formular preguntas, a través de experiencias inmersivas, tanto personales como colectivas, para provocar la reflexión sobre la consciencia del ser, su existencia en el mundo y las diferentes maneras de llenar los vacíos existenciales propios del ser humano. MIL111.lab nace a principios del 2021, dando comienzo a su recorrido con la presentación de su opera prima “SELBST. Un diálogo entre Yo consciente y la psique inconsciente.” en el Play-Doc. International Film Festival.
Autoescopia. Esta pieza de arte digital rompe con la perspectiva dualista del paisaje, proponiendo una visión alternativa desde una hibridación de los posicionamientos del monismo espiritualista e intermedio. Desde la perspectiva dualista, la existencia del paisaje implica la presencia de dos sujetos antagónicos; Alguien que mira y algo que es mirado. Por el contrario, nuestra propuesta, nace de la premisa de que el observador y el objeto observado son la misma entidad. El monismo espiritualista afirma que todo lo real es mental -todo lo que existe forma parte de la percepción de nuestra mente-, siendo el ser humano concebido como una mente que se percibe y percibe al otro. Paralelamente, Spinoza desde el monismo intermedio, afirma que estamos compuestos por una única sustancia, la de la esencia. Las cosas no son sino partes «inmanentes» del Todo. Inspirados por la frase que C. Sagan popularizó en la década de los 80, “Somos el Universo observándose a si mismo”, proponemos un paisaje cuyo territorio postdigital está constituído como un Cosmos digital-mental, inmaterial y plano, en representación de la unidad; Una autoescopia del Universo que reflexiona sobre la unidad de Todo. Para la creación de este paisaje, creamos una composición sonora empleando como base grabaciones de la NASA. Este paisaje sonoro se convierte en un territorio virtual a través de un algoritmo que analiza las frecuencias sonoras en tiempo real y las convierte en puntos de cota, creando un Universo que vibra de forma caótica y cambiante.
SPRING INDUSTRIES
Thomas Brett es un artista que trabaja en procesos híbridos de cine, animación y videojuegos. Un aspecto central de su práctica es la capacidad transformadora de los objetos físicos y su conversión en virtualidad o mito. A través de la construcción analógica y su captura digital, Thomas elabora paisajes a partir de estos objetos; produciendo narrativas ocultas de personajes y espacios reconfigurados en una ontología trémula.
Spring Industries es una obra híbrida compuesta por un videojuego y una película que lo acompaña. La película, ‘Navigations’, documenta los diversos caminos que los jugadores hicieron mientras caminaban por el desierto simulado del videojuego. No hay un estado de victoria o fracaso, ni un objetivo o misión más allá de vagar por el paisaje. Todos los elementos del espacio digital se construyeron fuera del ordenador, a partir de escaneos fotogramétricos de objetos orgánicos encontrados y esculturas hechas a mano. Este paisaje se creó en respuesta a nuestra cambiante concepción de los indicadores de camino en la era postdigital. Tradicionalmente, los hitos de este tipo se erigían explícitamente como intervenciones humanas en un entorno oscuro, permitiendo a los viajeros el paso seguro a través de zonas de naturaleza insondable. Sin embargo, en el espacio digital, incluso los objetos de la naturaleza requieren la intervención humana para ser representados: la fácil categorización del artificio humano frente a la naturaleza intacta se vacía. En un paisaje virtual, el punto de referencia como concepto fracasa necesariamente, ya que el objeto y el territorio se convierten paradójicamente en la misma sustancia. Esta exigencia postdigital se convierte en una cuestión importante para plantear en nuestra era geológica actual. En la época del Antropoceno, en la que todos los sistemas geológicos de la Tierra se han visto afectados por la industria humana, ¿cómo se puede encontrar un símbolo en un desierto de símbolos? ¿Cómo podemos construir un significado si la dicotomía del ser humano y la naturaleza se ha disuelto?
· EXPOSICIÓN FINALIZADA ·
Pases a las 10:00h / 16:00h / 22:00h
Ubicación Praza Estación, 1 – CC Vialia Estación de Vigo